L'arte contemporanea e la sua storia

Qualche decennio fa gli artisti hanno iniziato a sperimentare, dando spazio a innumerevoli iniziative e stili artistici. L'ispirazione trae ispirazione sia dallo stile di vita moderno che dalle teorie sviluppate sul ruolo, l'essenza e il corso evolutivo dell'arte. L’arte contemporanea è un mistero per molti poiché le opere esposte, di tanto in tanto, inducono gli spettatori a chiedersi cosa possa qualificarsi come Arte. La messa in discussione di tutto e di tutti che domina fortemente al giorno d'oggi ha portato gli artisti a rifiutare l'uso di colori e materiali convenzionali, con il risultato che il loro lavoro crea reazioni contraddittorie, a volte confuse o ammirate, e talvolta facendo arrabbiare il pubblico che si rivolga a lui o meno.

Alla fine degli anni '60, l'Arte Concettuale si sviluppa in un contesto teorico e artistico, dove, come giustamente suggerisce il nome, il concetto è la componente base di un'opera d'arte; la continuità è considerata non necessaria. Si tratta di una tendenza in cui la concezione dell'idea di opera d'arte prevale sull'oggetto d'arte stesso. Artisti che abbracciarono l'Arte Concettuale, pur influenzati dalla tendenza minimalista, la sfidarono e tentarono di sfuggirle. Attraverso l'Arte Concettuale viene sostanzialmente messo in discussione il modo tradizionale di rendere l'Arte, sia come espressione che come forma, mentre il linguaggio domina, come oggetto, nella sua parte verbale. La sua comparsa è tipicamente americana con il manifesto Paragraphs on Conceptual Art pubblicato nel 1967 da Sol LeWitt.

Per Sol LeWitt, "l'idea diventa una macchina per creare arte". Le dinamiche dell'Arte Concettuale, come si può vedere dalle dichiarazioni di Sol LeWitt e degli altri suoi rappresentanti, erano molto pronunciate. Quindi, il processo mentale di cattura e progettazione di un'opera d'arte sostituisce la sua parte visiva tangibile. Tuttavia questa parte visiva, cioè l’opera d’Arte, non scompare. Continua ad esistere. L'Arte Concettuale non mira a rimuovere la creazione dell'opera d'Arte, che è espressione dell'Arte, e sostituirla con la linguistica ma cerca di scoprire i limiti dell'Arte. L'Arte Concettuale è visibile nelle opere dei suoi vari rappresentanti, come Joseph Kosuth, il quale sosteneva che l'Arte dovrebbe interrogarsi su se stessa e non dovrebbe apparire, se possibile, in forma fisica.

L'arte crea enormi elenchi contenenti frasi, idee o descrizioni. L'abbinamento tra oggetti e informazioni scritte, che inizialmente sembra non mostrare alcuna connessione, è previsto che sia portato avanti dagli spettatori stessi nel tentativo di interagire con il pubblico dell'artista-progetto. Ben Vautier incide citazioni su sfondo nero utilizzando vernice bianca. Le sue opere, che costituiscono pensieri, impressioni e proclami, possono essere avvolte in un velo di mistero, ma sono aperte all'interpretazione. Intanto Lawrence Weiner inizia a scrivere le sue idee, nel 1970, su alcune pareti espositive e ad associarle a definizioni di spazio e azioni semplici in modo da sconcertare lo spettatore sulla possibilità di realizzare ciò che scrive senza però spingere le persone a realizzarle.

La ricerca e le influenze dell'Arte Concettuale non hanno smesso di trovare risposta negli artisti che continuano lo sforzo di uscire nella tecnica e nello stile da quelli consolidati per portare in primo piano il contenuto dei rispettivi soggetti. Unendo questo approccio artistico, molti creatori sono stati in grado di affrontare questioni sociali e promuoverle con la speranza di cambiare il mondo che ci circonda.

Nell'arte concettuale, il creatore può persino rinunciare al proprio lavoro. Quando Lewis morì, i suoi schizzi furono trasformati in varie opere d'arte da altri artisti. Di conseguenza, il suo lavoro non fu interrotto dopo la sua morte ma continuò. Pertanto, nell’Arte Concettuale, la questione del diritto d’autore non si pone. Ci si aspetta che l'implementazione di un lavoro venga eseguita da altri; per questo motivo la firma del suo autore non è obbligatoria.

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