Gli artisti latinoamericani reinventano le loro storie

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Scelta della critica

Il nostro critico afferma che "Chosen Memories" al MoMA è una delle recenti mostre di collezioni più emozionanti. Il tema del cambiamento e dell’instabilità è un filo conduttore.

Di Holland Cotter

La terra dei coraggiosi e la patria dei liberi è sempre stata ribassista riguardo ai confini, a chi entra e chi resta fuori. Politicamente sentiamo questa tensione enormemente adesso. Ed è sempre stato evidente dal punto di vista culturale, ad esempio, nel tipo di arte che i nostri musei hanno portato attraverso la porta.

Il lungo ma sporadico modello di raccolta dell'arte latinoamericana del XX secolo da parte del Museum of Modern Art offre un indicatore costruttivo. All’inizio prediligeva l’arte che sembrava vedere come una specie di esotismo: folcloristica, surreale, prova che a sud del confine c’era un terreno selvaggio, appena moderno.

Dopo la seconda guerra mondiale, con lo scambio culturale sempre più utilizzato come strumento diplomatico, il MoMA voleva un ulteriore impegno con la nuova arte latinoamericana, ma ora un tipo di arte che sembrava essere stata realizzata da "persone come noi" - cioè, opere che sembravano portano chiare prove del DNA europeo, come l’astrazione geometrica.

Poi, negli anni ’70, arrivò la recessione globale. I mercati dell’arte sono falliti. E nella confusione, i muri hanno cominciato a crollare con l’arrivo della rivoluzione permissiva chiamata multiculturalismo – pro-diversità, anti-essenzialista.

Man mano che l'episodio iniziale di quello che a volte viene chiamato postmodernismo retrocede nella storia, sembra essere uno dei momenti più belli e germinali dell'arte del XX secolo. Il MoMA ha impiegato molto tempo - decenni - per prendere atto di tutto questo, ma è pronto a giudicare da "Chosen Memories: Contemporary Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Gift and Beyond", una delle mostre di collezioni museali più emozionanti L'ho visto a New York da un po'.

Negli anni '70 Patricia Phelps de Cisneros, originaria del Venezuela e fiduciaria di lunga data del MoMA, era già interessata all'arte latinoamericana in un ampio spettro: arte indigena; Opera del XIX secolo realizzata dagli europei in viaggio lì; manufatti coloniali ibridi; e pittura e scultura modernista. Nel 2016 ha donato al museo più di 100 opere moderniste e vi è stata una mostra. Ma già allora aveva rivolto la sua attenzione alla nuova arte e nel 2019 c'è stato un regalo ancora più grande, questo di opere contemporanee, tra cui fotografia e video.

Circa tre dozzine di esempi, la maggior parte risalenti agli ultimi tre decenni e integrati da prestiti, compongono la mostra attuale. E insieme riflettono – e riflettono criticamente – tutte le categorie dell’arte latinoamericana che l’hanno interessata fin dall’inizio.

Ad esempio, la complessa storia del colonialismo, in gran parte cancellata dall'astrazione modernista, viene messa in gioco in una delle prime opere della mostra, "The Catherwood Project" dell'artista argentino Leandro Katz.

Nel 1840, l'artista inglese Frederick Catherwood viaggiò due volte in America Centrale e vi realizzò disegni di rovine Maya. Pubblicate come stampe, le sue immagini hanno offerto al pubblico europeo un primo sguardo a questi antichi monumenti e hanno stabilito una visione romanticizzata del "Nuovo Mondo" che persiste nel presente dei tour bus. Nella sua serie "Catherwood". Katz valuta l'accuratezza di quelle immagini attraverso confronti sul posto: fotografa se stesso mentre tiene le immagini dell'illustratore davanti ai monumenti Maya che raffigurano. Katz nota le manipolazioni di Catherwood, ma capisce anche che sta inevitabilmente aggiungendo la sua visione distorta del XX secolo a una storia percettiva stratificata.

La cultura indigena, cruciale ma sottovalutata dal modernismo europeo, viene citata ripetutamente nello spettacolo. Nel 1996, l'artista messicana Laura Anderson Barbata ha trascorso del tempo con gli Yanomami nella foresta amazzonica venezuelana, imparando dal vivo come creavano le loro graziose canoe. In cambio di questa istruzione, insegnò loro a fabbricare la carta. Vediamo i frutti della reciprocità nella mostra: in una fotografia, che Barbata ha intitolato "Autoritratto", di una barca intagliata a mano in piedi come se avesse vita propria; e nei agili disegni della fauna e della flora amazzonica dell'artista yanomami Sheroanawe Hakihiiwe, tutti realizzati su carta in fibra fatta a mano.