Simone Leigh ha stupito a Venezia. Le sue sculture iniziano un tour nazionale negli Stati Uniti a Boston

BOSTON – Una grande, travolgente semplicità, come quella di impastare, si irradia dalle opere di Simone Leigh, che l’anno scorso ha rappresentato gli Stati Uniti alla 59esima Biennale di Venezia – la prima donna nera a farlo. Dodici mesi dopo, le opere di quella mostra di Venezia, con alcune aggiunte, sono state splendidamente installate all'Institute of Contemporary Art di Boston. (L'ICA, sotto la guida della direttrice Jill Medvedow e della curatrice Eva Respini, ha organizzato anche la presentazione a Venezia.) La mostra si recherà all'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden a novembre e a Los Angeles l'anno prossimo.

Le sculture di Leigh, in ceramica e bronzo, tendono ad essere simmetriche e lisce. Combinano le figure e le teste delle donne nere con le forme di brocche, ciotole, cucchiai e conchiglie di ciprea, così come le forme ripetute in rima di gonne a cerchio, campanelli rovesciati e capelli intrecciati che scendono a cascata dalle teste.

In contrasto con la tendenza di tanta scultura moderna, con i suoi bordi frastagliati e le mescolanze di materiali, le opere di Leigh sono coerenti, calme e piacevoli da guardare. Di tanto in tanto li trovo troppo placidi, le forme stesse prevedibili fino al punto di compiacermi. Ma in loro presenza il respiro rallenta e si approfondisce impercettibilmente. Ravvivati ​​da sottigliezze di consistenza e colore, sono straordinariamente sensuali.

Gli smalti di Leigh sono particolarmente incantevoli. I loro colori vanno dal giallo intenso e saturo e dal blu reale ai marroni e verdi terrosi, al nero opaco, al bianco lucido e all'oro scintillante. Le loro superfici possono suggerire una ganache ricca e opaca un minuto, una glassa leggera e traslucida di zucchero e limone il minuto successivo.

Con titoli come "Sentinella" e "Sfinge", le sculture più grandi di Leigh incombono su di te con la sicurezza quadrata dei monumenti. Cosa commemorano? Cosa o chi onorano?

La risposta non è complicata. Monumentizzano e rendono noto il lavoro invisibile, non scritto e storicamente sottovalutato delle donne nere. Non solo lavoro fisico ma anche intellettuale. Lo fanno non con la pietà approvata dal comitato e incline al kitsch delle commissioni di scultura pubblica, ma con varietà di autoconsapevolezza poetica che inducono una profonda riflessione.

Le sculture di Leigh sono esse stesse il risultato di un lavoro lungo e mirato. (È aiutata da assistenti nello studio, nella fonderia e nella fornace.) Molti non sono realizzati con i tornii da vasaio ma con una tecnica più antica: avvolgere corde di argilla in un cerchio, posizionare una bobina sopra l'altra, quindi utilizzare strumenti manuali per lisciare fuori le ondulazioni.

Le minuscole rosette che Leigh a volte usa per i capelli sono piegate e pizzicate a mano a migliaia. Contemplando la loro creazione, ho pensato a due passaggi di "Beloved" di Toni Morrison. Nella prima, la scrittrice descrive "i suoni interiori che una donna emette quando crede di essere sola e inosservata mentre lavora: un 'qc' quando manca la cruna dell'ago; un gemito sommesso quando vede un'altra scheggiatura nel suo unico piatto buono". ; l'argomento basso e amichevole con cui saluta le galline. Niente di feroce o sorprendente. Solo quella conversazione eterna e privata che avviene tra le donne e i loro compiti." Altrove, Morrison scrive della preparazione del pane mattutina: "Lavorare l'impasto. Lavorare, lavorare l'impasto. Niente di meglio di questo per iniziare il serio lavoro di quel giorno per respingere il passato".

Ma gli elogi di Leigh al lavoro femminile nero sono diversi da quelli di Morrison. Hanno un aspetto più rivolto al pubblico, addirittura maestoso. Invece di “ribattere il passato” – una risposta istintiva al trauma – Leigh prende immagini macchiate di razzismo e colonialismo e ne inverte le implicazioni, trasmutando bassezza e vergogna in bellezza e potere.

Inaspettatamente, le forme delle sue sculture possono derivare da banali cliché razzisti o colonialisti. "Last Garment", ad esempio, una scultura in bronzo a grandezza naturale di una donna in piedi in una piscina riflettente e chinata sul suo lavoro, si basa su una fotografia souvenir della fine del XIX secolo che mostra una donna giamaicana chinata per lavare i panni in un fiume. . L'immagine era ampiamente diffusa in Europa e utilizzata per attirare i turisti in Giamaica in modo che una colonia di zucchero, una volta costruita sulla schiavitù, potesse essere vista come un paradiso tropicale popolato di donne che vivevano a contatto con la natura.